¿Existen guías escritas o reglas generales para configurar la saturación del color, la claridad, la intensidad, etc. en el procesamiento posterior (o en general)?

Esta no es otra pregunta de "cómo hago que una imagen se vea como tal y tal enlace insertado aquí en LR". Hay una saturación (sin juego de palabras) de estas preguntas aquí. Interesante, pero no lo suficientemente general.

Lo que realmente pregunto es , ¿cómo toman las personas las decisiones posteriores al proceso para hacer cosas como mejorar los tonos de piel o incluso mejorar el color y la iluminación de cualquier imagen?

Normalmente lo aleteo, toco las palancas en Lightroom (generalmente exposición y contraste y balance de blancos, y ocasionalmente saturación) hasta que las cosas se ven bien. Mi objetivo personal es el realismo, no algo viciosamente posprocesado (de lo contrario me da pereza cuando estoy filmando). Además, disparo RAW para que no se aplique el 'estilo de imagen' en la cámara.

Pero no se siente tan consistente; por el contrario (tampoco se trata de juegos de palabras), si está buscando reglas generales para encuadrar tomas, técnicas de iluminación y mucho más, puede encontrar esas guías en todas partes, y especialmente en StackExchange. Puedes ser más rápido y constante a medida que aprendes esas cosas. Pero la técnica posterior al proceso me parece más aleatoria.

Muy interesado en saber qué piensan / hacen los profesionales aquí. No puede ser totalmente subjetivo y un arte negro (déjame ajustar esto y ver qué pasa) ... ¿o es ...?

La mayoría de las decisiones son artísticas y dependen de su propio estilo y visión personal y, en cierta medida, del género de la fotografía, ya sea paisaje o retratos, comerciales o no comerciales.

Antes de comenzar, debe tener una idea de cómo quiere que se vea su imagen. Clave alta o clave baja? ¿Afilado y contrastante, o ligero y etéreo? Cada imagen es diferente, por lo que no se aplican reglas establecidas a cada imagen. Pero intentaré dar algunas pautas generales.

Usando Lightroom o Camera Raw, trabajo a través de los controles deslizantes de arriba a abajo.

Balance de blancos

Yo diría que en la mayoría de los casos esta es una decisión artística. Sí, puede usar la herramienta cuentagotas de balance de blancos para estimar el balance de blancos "correcto", pero eso a menudo absorbe el calor de una buena imagen. A menudo utilizo la herramienta de balance de blancos para verificar cómo afecta a la imagen y para ser honesto para no excederme en el calentamiento, pero en su mayor parte aumento el calor hasta que lo exagero, luego retrocedo un poco.

Contraste

Nunca toco el contraste en la etapa de conversión sin formato. Uso Photoshop y prefiero aplicar capas de ajuste de curvas que puedo enmascarar / aplicar con pincel cuando sea necesario. Si iba a procesar solo a través de Lightroom, probablemente me saltaría el control deslizante Contraste y volvería a él después de hacer los otros ajustes relacionados con la exposición.

Exposición, reflejos, sombras, negros, blancos

Para la mayoría de las imágenes, querré una gama completa de tonos de negro a blanco. Es decir, para la mayoría de las imágenes quiero que el histograma se extienda de izquierda a derecha. Suponiendo que estoy tratando de lograr esa imagen, mi pensamiento sería algo como esto:

¿Es la exposición general más o menos correcta?

Si la imagen es demasiado oscura, aumentaré la exposición. Demasiado ligero, lo reducirá. Obviamente no para lograr un histograma atractivo, sino una imagen atractiva. Una imagen de clave alta puede estar a la derecha, por ejemplo. Intento concretar la exposición en la cámara, pero hay momentos en los que no puedes o te expones intencionalmente a la derecha . Además, si se corta algo en cualquiera de los extremos, puedo ajustar la exposición general. Por lo general, no necesito tocar el control deslizante de exposición.

A continuación, ¿cómo son los puntos finales de mi histograma?

Si todavía se recortan los negros o los blancos después de ajustar la exposición, o más comúnmente si no se extienden a los bordes del histograma (lo que significa que no tengo negros o blancos puros), usaré los controles deslizantes de Negros / Blancos para extienda el histograma hasta que tenga el rango tonal completo. Obviamente, esta es una decisión artística, pero para aquellas imágenes en las que desea un rango tonal completo, esta es la mejor manera de lograrlo.

¿Cómo se ven los reflejos y las sombras?

Utilizo con moderación los controles deslizantes Highlights and Shadows para ajustar las áreas claras y oscuras. Esto no es necesario en absoluto en la mayoría de las imágenes. Aumentaría el control deslizante de Sombras, por ejemplo, en una imagen retroiluminada para aclarar el sujeto, y podría disminuir el control deslizante de luces si tuviera una gran extensión de nubes blancas y quisiera resaltar un poco el contraste.

Claridad

El aumento de la claridad puede dar la impresión de un mejor contraste y detalle. Disminuir la claridad puede dar un aspecto soñador agradable, especialmente al agua o las nubes. Creo que esta es una elección puramente artística. Por lo general, no hago ajustes de claridad en el convertidor RAW, y lo dejo hasta más tarde, en Photoshop, donde puedo usar nitidez, ajustes de curvas locales o filtros de efectos como Topaz Detail / Adjust para lograr efectos similares localmente.

Saturación / Vibración

Raramente uso saturación o vibración en Camera Raw. Si el color en una imagen se ve plano, puedo aumentar la intensidad, pero generalmente lo haré en áreas selectivas, o en colores selectivos, más adelante en Photoshop. Otra opción artística: hacer lo que se siente bien. Solo tenga cuidado de no cortar ningún canal. Vibrance es una opción un poco más segura .

No, realmente no hay tales reglas. Aquí es donde entra el ojo para estas cosas, ya sea a través de una habilidad natural o mediante la práctica (o ambas). Es subjetivo , pero no arbitrario , y es arte pero no un arte negro .

Eventualmente, desarrollará un estilo personal para lo que se siente bien para usted. Muchos fotógrafos desarrollan un aspecto personal muy distintivo. Mencionas "profesionales", y vale la pena tomarse un segundo para pensarlo, porque allí, lo más importante es el gusto de tus clientes. Si está fotografiando retratos de ciudades pequeñas, es probable que adquiera una mirada directa con un poco de "pop" adicional. Hace unos años, a mis abuelos les tomaron un retrato, y aunque el fotógrafo insistió en que el aspecto de enfoque suave era una elección artística, mis abuelos estaban molestos, no era para su gusto en absoluto. Pero si eres un fotógrafo de bodas, una mirada "soñadora" probablemente no te hará mal. O, en cambio, si está buscando ventas de "arte" en el mercado masivo, a juzgar por lo que vi en una galería en Las Vegas, probablemente quieras aumentar la saturación hasta que tus ojos sangren y mapeen los tonos hasta que los halos estrangulen toda la escena. Si está buscando representación en una galería, será útil conocer las tendencias actuales en las bellas artes (incluso si, con suerte, su propio trabajo empuja ese sobre). Pero si está buscando un tipo de arte más duradero, o está trabajando para su propia satisfacción personal, tendrá que ser su propio público.

Creo que las "reglas" son comunes para la composición porque la cámara no puede hacerlo automáticamente por usted. La cámara puede equilibrar la exposición de manera aceptable, pero no puede elegir dónde centrar el sujeto . Esas reglas de composición suelen ser dudosas , pero proporcionan un marco básico y puntos de partida cómodos cuando no sabes por ti mismo lo que quieres.

Sin embargo, si no sabe qué aspecto está buscando en el estilo visual , puede elegir un preajuste, ya sea "estilos de imagen" en su cámara o configuraciones preempaquetadas en su convertidor RAW. En los primeros días de la fotografía de películas en blanco y negro, ese no era el caso, y puedes encontrar mucha sabiduría recopilada (y, como siempre, afirmaciones prescriptivas más dudosas) de esa época. A medida que se comenzó a utilizar una película en color menos flexible, ese enfoque sufrió una herida grave, y aunque lo digital recupera la flexibilidad, también ofrece "miradas" prefabricadas fáciles de empaquetar, por lo que es poco probable que el paciente se recupere por completo.

Dicho esto, puedo pensar en una directriz mientras trabajo hacia ese estilo: todo con moderación. Esto a menudo se expresa como algo así: después de obtener un efecto especial que le gusta, vuelva a marcar la mitad de esa fuerza y ​​vaya con eso. Pero, al igual que esas reglas de composición, esta es una línea conservadora, y el conservador rara vez es un valor celebrado en el arte. Entonces, puede intentar lo contrario: ser audaz . Claro, dentro de unos años puede mirar hacia atrás a su trabajo con cierta vergüenza, pero al menos no se le acusará de ser tímido.

Ayuda a ser deliberado. Aquí, la flexibilidad infinita es tu enemigo. Le permite hacer lo que quiera, y eso puede dificultarle adaptarse a su propio ritmo personal. Entonces, aquí hay un enfoque para probar ... Baje la cámara digital y tome un viejo cuerpo de película. Pentax K1000, Nikon F, quizás un telémetro Canonet. Elija varios rollos de Kodak Portra 400, Fujicolor 160NS e Ilford Delta 1600. O, al menos, baje el convertidor RAW y elija algunos de esos estilos de imagen: se necesita mucha I + D, por lo que en realidad son bastante buenos. . Si su cámara le permite (con suerte lo hace) ajustarlos a sus preferencias personales (aumentar el contraste, por ejemplo), pero una vez que haya realizado algunos ajustes, déjelo así por un tiempo. Es posible que incluso desee extraer los, um, "filtros artísticos", si su cámara lo hace. Efectivamente,Las reglas generales que estás buscando, hechas programáticas.

Pasar una semana disparando intencionalmente con la regla de los tercios no lo convertirá automáticamente en un mejor fotógrafo, pero sigue siendo un buen ejercicio, porque si lo hace y revisa cuidadosamente los resultados (evaluando no solo la aplicación de la regla sino el efecto general ), sabrá mejor lo que quiere hacer en su lugar y por qué . Del mismo modo, filme algunos rollos de película de diferentes tipos, o elija un conjunto de ajustes preestablecidos y manténgalo durante un tiempo. (Si esto es demasiado doloroso, siempre puedes usar RAW + JPEG para que tengas un "out" si obtienes una inyección única en la vida que realmente, realmente no debería haberse aplicado ese yeso verde). hecho ese ejercicio, probablemente no querrás seguir trabajando de esa manera para siempre, pero creo que te ayudará a descubrir cómo te va quieres que se vean tus imágenes.

Lo que importa más que la forma en que califica el color es que tiene una consistencia en la gradación de color dentro de una serie. En general, querrás asegurarte de que una serie de fotos fluya bien, aunque podría haber ocasiones en las que quieras que también sean muy diferentes.

Como otros han mencionado, no hay reglas aquí aparte de la estética general. O tienes un ojo para eso o no. Use su sentido artístico y color en consecuencia. Si está tratando de desarrollar sus habilidades, dedique tiempo a ver los trabajos que le gustan y a ver cómo están equilibrados, luego intente replicarlos.

Después de un tiempo, obtendrá un ojo para identificar qué partes de una imagen están fuera de lugar desde donde las quiere y se convierte en una simple cuestión de ajuste como mejor le parezca para lograr el aspecto deseado.

Además, no tengas miedo de seguir tu propio camino. La forma en que las personas califican el color probablemente sea más una revelación de quién es el fotógrafo que cualquier otro aspecto de la fotografía. Las personas definitivamente desarrollan un aspecto que les gusta y si son buenos en la gradación de color, muchas de sus fotos tendrán un aspecto general similar. Tiene que variar un poco de una toma a otra, ya que los sujetos difieren y, por lo tanto, la estética puede requerir ligeras diferencias de estilo, pero generalmente hay cosas que lo hacen reconocible.

Personalmente, tiendo a contrastar ligeramente, buscando un punto negro rico, sombras detalladas pero razonablemente fuertes, reflejos justo antes del pico y una imagen en general bien saturada (pero no demasiado saturada) y muy coloreada. A veces, agrego un pequeño detalle a los detalles exagerados, pero generalmente trato de evitarlo en su mayor parte.

Algunas personas prefieren niveles de contraste más oscuros, algunos más brillantes, algunos surrealistas, otros un aspecto más descolorido y desgastado. En el lado artístico extremo, algunos incluso distorsionan el color hasta el punto de ser irreconocibles para la escena original. Depende completamente de usted, el artista, decidir lo que le gusta.

En realidad no hay pautas. Necesita aprender posicionamiento, recorte, composición. Los movimientos de arte tienen pautas que no son tan estrictas sobre el tono y el enfoque. Para la fotografía, puede mirar y buscar aviadores o pioneros del estilo que desea practicar. desde el principio hasta hoy Como ejemplo de Richard Avedon a Patrick Demarchelier para fotografía de moda. Y como un consejo de un fotógrafo profesional, yo mismo: D: siempre tenga en blanco y negro en su foto si no se acerca a productos post-off.