Yo uso mi teléfono móvil para fotografía. Normalmente cuando noto algo interesante, tomo una foto con el punto de interés en algún lugar cerca de la región que quiero que sea. Pero hago esto con la suposición clara de que la composición final después de editarla usando Snapseed podría ser completamente diferente. Hago esto porque siento que obtengo un mayor nivel de libertad y conveniencia cuando compongo sin conexión, cuando estoy sentado en algún lugar cómodamente.
Mi pregunta es si esta es una práctica común entre los fotógrafos. ¿O tal vez los fotógrafos tradicionales hacen la composición cuando capturan?
Más específicamente, ¿la composición fuera de línea se considera trampa o algo así?
Actualizaciones:
Ejemplo de mi composición sin conexión
FINAL
ORIGINAL
No fui yo quien agregó la etiqueta de "ética". Y, sinceramente, no pensaba en ética cuando usaba la palabra trampa. Lo que quise decir es tomar atajos. La tecnología ha hecho que sea muy fácil tomar buenas fotos. Una mejor formulación de la pregunta sería si la composición fuera de línea está mal vista por los fotógrafos tradicionales.
Tomo fotos como una salida de mi creatividad. No pretendo ganar dinero con él ni usarlo para promocionar nada. Acabo de subirlo a 500px .
No voy a lugares para tomar fotos. Tomo fotos de cosas interesantes que encuentro en lugares donde la vida me lleva. Siendo introvertido, no me siento cómodo cargando una cámara grande y un trípode, etc. en lugares con mucha gente y llamando la atención. Así que prefiero un teléfono con buenas especificaciones de cámara (LG G6) ahora. Y prefiero tomar fotos rápido y no quedarme. Por eso prefiero componer más tarde. Por supuesto que hago una composición mínima cuando capturo.
Aunque obtuve las respuestas que necesito, me resulta muy difícil seleccionar la respuesta más adecuada aquí. ¿Debo esperar unos días y seleccionar la respuesta con los votos más altos?
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Respuestas:
Parafraseando un pasaje del antiguo libro hebreo de Eclesiastés:
Para todo hay una temporada.
Un tiempo para nacer, un tiempo para morir
Un tiempo para derrumbarse, un tiempo para acumularse
Un tiempo para quedarse, un tiempo para desechar
Un momento para usar 'Exposición automática', un tiempo para usar 'Exposición manual'
Un tiempo para usar 'Single Point AF-S', un tiempo para usar 'Área AF-C'
Un tiempo para recortar en la publicación, un tiempo para componer cuidadosamente la imagen final al disparar.
Con muchas cosas en la fotografía, hay algunas cosas que pueden ser muy útiles cuando se aprende a hacer fotografías que, en última instancia, se interponen en la forma de hacer los mejores tipos de fotografía. El truco es reconocer cuándo algo que alguna vez fue útil se ha convertido en algo que le impide a uno convertirse en un fotógrafo aún mejor.
Eso no quiere decir que el cultivo siempre esté en la primera categoría y que nunca esté siempre en la segunda. También hay momentos y lugares en los que el recorte después del hecho producirá una mejor imagen que lo que los mejores esfuerzos del fotógrafo, limitados por factores fuera de su control, pueden hacer en la cámara.
El tan venerado Henri Cartier-Bresson dijo lo siguiente sobre el cultivo:
Sin embargo, incluso HCB usó el cultivo (y una considerable evasión y quema en el cuarto oscuro, probablemente realizado por otra persona) cuando era la única forma de obtener la vacuna que quería.
Pero, en general, recortar como un medio para guardar o mejorar una imagen compuesta menos que idealmente es probablemente más útil como herramienta de aprendizaje en el desarrollo de un fotógrafo que como herramienta principal en la bolsa de trucos de un fotógrafo maduro. Al recortar el hecho, el fotógrafo en desarrollo puede autocrítica sus propias composiciones y considerar formas en que podrían haber mejorado la foto al componer de manera diferente en el momento en que se capturó la imagen.
Tome, por ejemplo, la imagen original incluida en el OP.
Compárelo con el cultivo del OP:
Este cultivo permite que las distracciones permanezcan en tres de los cuatro bordes del marco para preservar, o incluso mejorar un poco, las líneas (implícitas) entre la cabeza del hombre, el sol y los reflejos del sol en el agua que forman un triángulo. como rasgo dominante de la composición. Cuando miramos la foto, no podemos evitar notarlo.
En muchos sentidos, el recorte del original de xiota en su respuesta es una mejora sobre la composición de la cámara y sobre el recorte del OP con respecto a la eliminación de las distracciones periféricas. Pero también presenta un nuevo problema: la posición del sol y su reflejo en el agua ahora está demasiado cerca del borde izquierdo. Las líneas implícitas entre la cabeza del hombre, el sol y los reflejos del sol ya no son las características compositivas dominantes en la parte central de la imagen. La línea vertical mucho menos interesante en el centro del marco se hace cargo.
Si el fotógrafo hubiera buscado más cuidadosamente una composición final en la cámara, podrían haberlo visto y haberse movido un poco hacia la derecha, manteniendo los dos elementos verticales en los bordes, para mover el sol más adentro de los bordes. Poner la cabeza del hombre y el sol en lados opuestos del marco equidistantes del borde de sus respectivos lados, enmarcados por los fuertes elementos verticales, habría fortalecido enormemente la composición general.
Hubiera parecido algo más como esto:
Esto solo podría haberse hecho considerando más cuidadosamente la composición final y ajustando la posición de disparo en el momento en que se capturó la imagen.
Idealmente, el fotógrafo habría posicionado perfectamente la cámara para obtener la composición más fuerte antes de tomar la foto. En los días de formato medio, cuando presionar el botón del obturador cuesta alrededor de $ 1 por película y el costo de desarrollo, esa es la forma en que mucha gente lo hizo. Si la gente se moviera antes de ese punto, el disparo no se habría tomado en absoluto. En el mundo real de hoy, probablemente tomaríamos el tiro como lo hizo el OP, como un tiro de seguridad en caso de que la gente comenzara a moverse. Sin embargo, si permanecieron estacionarios el tiempo suficiente, también podríamos haber reposicionado la cámara para obtener la composición más ideal y usar ese marco como nuestra imagen seleccionada.
¹ ¿Ves lo que hice allí?
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En primer lugar: la fotografía es una forma de arte y todos pueden realizar su arte como quieran. Dicho esto, las llamadas "reglas" de fotografía, especialmente las reglas de composición, son más una guía para ayudar a la composición que una regla.
Si prefiere componer su imagen después de la toma, es su estilo y su imagen, pero la composición "sin conexión" tiene algunas desventajas en comparación con la composición directa.
La primera desventaja es que pierde mucha de la imagen y la imagen se vuelve más pequeña debido a esto.
Además, solo puede cambiar realmente el recorte después de tomar la imagen, pero la composición también contiene el ángulo y la posición donde se toma la imagen. Este segundo punto también es algo en lo que no entiendo su punto de mayor nivel de libertad porque muchos fotógrafos piensan en una limitación bastante grande debido a esto. La composición es más que solo el recorte de la imagen. Es lo que se muestra y cómo se muestra. Entonces, no solo el recorte es importante, sino también la posición desde donde se tomó la imagen, el ángulo de la cámara, la distancia focal, ...
Muchos fotógrafos hacen ajustes de recorte después de tomar la imagen, pero siempre se trata de cortar partes de la imagen y no se puede agregar mucho en la publicación. Por lo tanto, debe tratar de obtener la composición lo más cerca posible del producto final en la cámara.
La fotografía es una forma de arte, por lo que no es posible hacer trampa siempre y cuando mantengas lo que haces y no digas que es algo que no es. Entonces, por ejemplo, no lo llame fotografía documental si ha cambiado cosas en la imagen, como la eliminación de distracciones.
El gran problema es que la composición fuera de línea es mucho más limitada que hacerlo en línea. Por lo tanto, es mejor tomarse su tiempo antes de tomar la fotografía y acercarse a ella que pensar mucho tiempo después y limitarse con sus cambios.
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Desde una perspectiva artística, un fotógrafo tiene la obligación de utilizar todos los medios que están a su disposición para lograr el aspecto deseado. Esto incluye el recorte y / u otras técnicas de manipulación de imágenes.
Para ilustrar mi punto, este es el marco original de Alberto Korda. Sin duda está familiarizado con la versión editada. Se ha recortado y se ha ajustado el contraste.
Puede estar de acuerdo o en desacuerdo con el resultado, pero fue decisión de Korda tomar (y personalmente creo que lo logró).
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Los fotógrafos generalmente buscan capturar una imagen lo más cercana posible a la imagen final. Tres razones para eso:
control: hay muchos aspectos de una imagen que no puedes cambiar después del hecho. No puede cambiar el enfoque, el punto de vista o el momento en el que tomó la imagen, por ejemplo. Esas cosas están integradas en la imagen, y para que sean correctas, generalmente necesita una idea bastante buena de cómo cree que será la imagen final.
resolución: enmarcar la imagen en la cámara como desea que se enmarque la imagen final significa que no tiene que recortar la imagen, o no tiene que recortarla mucho. Eso significa que está utilizando todos o casi todos los datos del sensor, por lo que termina con la imagen de mayor resolución. Si recorta una porción significativa de la imagen, entonces le quedan menos píxeles para trabajar.
tiempo: si compone una imagen de la manera que desea cuando la toma, no tiene que perder tanto tiempo editándola más tarde. Puede que no parezca un gran problema ahorrar un par de minutos, pero si ha tomado cientos o doscientas fotos en un día, reducir el tiempo que tiene que dedicar a cada una de ellas hace una gran diferencia.
Ahora, eso no significa que los fotógrafos no cambien de opinión más tarde. No es raro notar algo en una foto que no viste antes, o darte cuenta de que la foto sería aún mejor si se omitiera parte de ella. Pero la mayoría de las veces, sabes lo que estás tratando de capturar cuando tomas la foto y tratas de usar todos los controles de la cámara para crear la imagen que deseas. Usted tiene el mayor control sobre una imagen en el momento de la exposición.
No es trampa, y si funciona para ti, ve con eso. Solo tenga en cuenta lo que está renunciando si está recortando rutinariamente gran parte de sus imágenes.
Hay cámaras en el mercado que capturan más datos de los que necesita para una sola imagen exactamente para que tenga la libertad de ajustar más tarde. Las cámaras de campo de luz tienen sensores especiales que registran la luz en múltiples planos focales, para que pueda cambiar el punto de enfoque más adelante. Y algunas cámaras pueden grabar una serie de imágenes en lugar de una sola, para que pueda cambiar el punto en el tiempo en que se grabó la imagen final, o incluso combinar partes de varias imágenes para obtener una foto donde todos estén mirando la cámara. mismo tiempo, incluso si eso realmente no sucedió.
Nunca escuché a nadie usar la frase "composición fuera de línea", así que no creo que la mayoría de los fotógrafos piensen realmente en esos términos. Lo que ha mostrado como ejemplo es un ejemplo bastante típico de recorte: más tarde decidió que el puente era más interesante que el cielo o las rodillas de los sujetos. Los fotógrafos hacen ese tipo de cosas todo el tiempo, y si alguien te molesta por hacerlo, ¿a quién le importa? No te preocupes por eso.
Dicho esto, creo que la mayoría de los fotógrafos también intentan pensar en la composición cuando toman la foto, por las razones que describí anteriormente. Si está satisfecho con su proceso y satisfecho con las imágenes que está creando, no cambie nada. Pero si está interesado en mejorar su fotografía, entonces una cosa que puede hacer es tratar de tener más en cuenta la composición mientras filma.
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Esta respuesta se centra en el aspecto trampa de la pregunta.
Hacer trampa está ganando ventaja con el engaño. Independientemente de las reglas de fotografía personal que sigas, es una trampa si alguna vez sientes la necesidad de mentir. Mientras sea sincero sobre lo que está haciendo, no es hacer trampa. Incluso con algo tan banal como recortar, si dices que no lo hiciste, pero lo hiciste, es trampa. Ya que admites abiertamente "componer sin conexión", no es trampa en tu caso . Para alguien que afirma que la imagen se produjo completamente en la cámara, sería una trampa.
Esto no es específico de la fotografía. Toma deportes ¿Por qué tomar ciertas drogas es una trampa? Porque todos acordaron no hacerlo, y aquellos que sí obtienen ventaja mintiendo al respecto. Si hubiera una serie deportiva en la que se permitiera tomar drogas para mejorar el rendimiento, ya no sería una trampa.
Hacer trampa es serio. La gente tiene medallas, títulos y honores revocados por hacer trampa. Las personas son expulsadas de las universidades por hacer trampa. Los documentos se retraen debido a las trampas. Hacer trampa está mal. Las personas saben que están a punto de hacer algo mal cuando comienzan a planificar el encubrimiento y a generar excusas en caso de que los atrapen.
Es no cierto que el engaño no es posible porque la fotografía es "arte". Nuevamente, hacer trampa es usar el engaño para ganar ventaja. Alguien podría mentir acerca de cómo se produjo algo de "arte" para aumentar las ventas o ganar un concurso con reglas claramente definidas. Eso es hacer trampa.
Supongamos que un fotógrafo documental edita y publica algunas fotos . Los fotógrafos documentales afirman que muestran las cosas "tal como están", con ediciones restringidas a las directrices del editor. Cuando editan fotos más allá de lo permitido, mienten para obtener ventaja. De ahí la trampa.
No hay nada de malo en "componer fuera de línea" siempre que no haya engaño involucrado en su práctica. La mayoría de las personas se han enderezado y recortado una foto en algún momento. Es imposible no para algunos tipos de fotos con requisitos específicos de tamaño y proporción, como pasaporte y fotos de perfil. El recorte puede ser parte del proceso de carga y selección de imágenes.
Es probable que muchos de los que nunca han cosechado simplemente no sepan ni les importe cómo. Es probable que no estén haciendo ningún tipo de posición de principios contra el cultivo. Normalmente son los que no tienen fotos de perfil en ninguna de sus cuentas y hacen que sus nietos configuren todos sus dispositivos electrónicos.
Las razones para no recortar, para hacerlo en la cámara, incluyen maximizar el área de la película / sensor, evitar el esfuerzo de procesamiento posterior y la satisfacción de que una imagen salga "perfecta". No tiene sentido mentir sobre el cultivo. Cualquier "prestigio" que se obtenga con la mentira se compensa al seguir teniendo que hacer el procesamiento posterior y perderse la fiebre de la dopamina por hacerlo bien en la cámara.
Depende de qué tan tradicional. ¿Solo película? ¿Desarrollarte a ti mismo? Imprimir usted mismo? En un cuarto oscuro con ampliadora? Mezclar sus propios productos químicos? Etc. Algunos medios no se pueden recortar fácilmente , como la película deslizante y las placas de vidrio. Algunos formatos se prestan al recorte , como los formatos cuadrados medianos con una lente de distancia focal fija.
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Básicamente hay dos razones para las "reglas" en fotografía. Bueno tres. El tercer tipo de reglas son las cosas dictadas por la mecánica o la física: no puede tener dos sujetos a diferentes distancias enfocados, la tierra gira a cierta velocidad , el sol puede dañar su cámara y sus ojos, etc.
Pero descontando ese tipo de cosas prácticas, hay dos razones para las reglas:
Primero, pautas para simplificar las cosas para principiantes y otros que no estén seguros de la composición. Esto se aplica a la "regla de los tercios" y otras reglas de "dividir por líneas", así como a muchas otras sugerencias para una composición y exposición "adecuadas". Ver algunos ejemplos:
Este tipo de reglas también son el tipo de reglas que se hacen para romperlas . Realmente no se aplican en todos los casos, y si todos siguieran todas esas reglas, la fotografía sería aburrida y triste.
En segundo lugar, aunque existen reglas más o menos arbitrarias que pueden funcionar como herramientas para la creatividad, como las formas de un poema . No hay nada mágico que diga que un poema de amor debe ser tres cuartetas y un pareado final, pero mucha gente disfruta el desafío de hacerlo. No es "hacer trampa" elegir algo más que diecinueve líneas con dos rimas repetitivas y dos estribillos para tu meditación sobre la vida y la muerte, pero apegarte intencionalmente a villanelle ha producido algunos trabajos increíblemente poderosos y duraderos. (Incluso si no te gusta la poesía, conoces estas líneas: "No entres gentilmente en esas buenas noches. Rabia, rabia contra la muerte de la luz").
Esto también puede ser cierto en fotografía, y de hecho algunos de los maestros estaban obsesionados con no recortar, no porque sea una trampa en sí, sino porque no es el espíritu de su fotografía. Para el pionero y leyenda de la fotografía callejera Henri Cartier-Bresson, las fotografías son sobre " el momento decisivo ". Él dice esto sobre el cultivo:
Del mismo modo, el Grupo f.64 , del que era miembro Ansel Adams (junto con Imogen Cunningham, Edward Weston y otros) valoraba hacer impresiones de contacto directo desde cámaras de visión de gran formato; la imagen podría ser muy manipulada , pero se vio como falta de cultivo . De un artículo sobre Weston :
Entonces, sí, ciertamente hay "reglas tradicionales de fotografía" que se ven como fallidas al recortar en el cuarto oscuro (o ahora, en la computadora). Pero eso está bien. No todo gran poema es un soneto. De hecho, del grupo f.64 manifiesto :
"Metier" significa "negocios o llamadas", y en este sentido no es realmente un trabajo profesional en cuanto a las reglas particulares que el grupo eligió. Entonces, este grupo de fotógrafos tradicionales muy bien considerados se adhirió estrictamente a un conjunto particular de principios y consideró importante y valioso hacerlo, no sentían la necesidad de imponer esas reglas particulares a todos.
Pero, es importante darse cuenta también de que las reglas que eligieron no son solo arbitrarias. Encajan en la historia de una manera importante . Los artistas del Grupo f.64 estaban reaccionando a la escuela de fotografía pictoralista previamente en boga . Para resumir, ese movimiento anterior intentó validar la fotografía como Arte Real enfatizando los aspectos realmente no fotográficos de la creación, incluida la adición de pinceladas y otras manipulaciones manifiestas. Por el contrario, los miembros del Grupo f.64 creían que la fotografía tiene un lenguaje propio y que el lenguaje de la fotografía está directamente informado por la mecánica del proceso. Entonces, hay algo casi sagrado acerca del disparo enmarcado a una impresión de contacto.
Si bien el resultado, evitar el cultivo, es similar al de Cartier-Bresson, las razones para elegir esa regla son diferentes. O, más bien, diferente en los detalles, pero en realidad idéntico en espíritu, porque la regla refleja lo que significa la fotografía para todos estos fotógrafos diferentes.
Te animo a que encuentres las reglas que se ajusten a tu estilo y lo que la fotografía significa para ti . Para mí, es evitar los lentes con zoom; Yo a veces se cosecha después de que el hecho de cambiar la relación de aspecto, pero yo hago tipo de situaciones ver donde no consiguió el encuadre justo en la cámara como un fracaso. Pero para otras personas, todo esto es solo una herramienta en la caja de herramientas. Volviendo nuevamente a la poesía, muchos lectores casuales ven el trabajo de Emily Dickson como poemas de forma libre locos porque no siguen un esquema de rima tradicional, pero de hecho son cuidadosamente medidos y medidos. No estaba engañando al no escribir sestinas o lo que sea, pero definitivamente tenía una voz particular. Reglas como "hacer el encuadre justo en la cámara" pueden ayudarlo a encontrar el suyo,esa regla
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No, no lo consideraría una trampa.
En algunos casos, simplemente no tienes la lente adecuada a mano (o mejor en la cámara) o el sujeto se está moviendo, por lo que debes tomar la fotografía como está y componerla más adelante.
Para mí, me gusta la fotografía de vida salvaje, pero no importa cuán gentilmente pregunte, el venado (o lo que sea) se moverá en las peores direcciones. Entonces, tomo la foto todo el tiempo que puedo y luego la redacto o la proceso.
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Puede ser algo útil de hacer.
Por supuesto, puede centrar el sujeto, presionar hasta la mitad el botón para que la cámara configure el enfoque / exposición, y luego cambiar el encuadre para compensar 2) y 3), pero esto coloca al sujeto donde la lente es más suave.
Por lo tanto, disparar con un sujeto centrado a veces es técnicamente mejor, especialmente si tiene una cámara y una lente de nivel de entrada.
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Como muchos han señalado, depende de la intención de la imagen.
Estoy completamente de acuerdo con Jindra Lacko con respecto a la obligación del artista. Eso es justo en el dinero.
Su redacción sugiere que está utilizando su fotografía como una salida creativa (arte personal). En ese caso, solo hay un tipo de trampa, porque solo hay una regla: la imagen final debe cumplir con su visión artística. Si no es así, te estás engañando a ti mismo y a tus espectadores.
Recorte de WRT: es una carga arbitraria e irrazonable sobre su visión artística e interpretación de un sujeto que requiere que la imagen final coincida con las proporciones de fotogramas del equipo utilizado en la captura. Para maximizar la calidad de la imagen, DEBE esforzarse por enmarcar la imagen inicialmente, de modo que solo necesite recortar a lo largo de un eje (ancho o alto). A veces, eso es simplemente imposible. Entonces se trata de sacrificar un poco de calidad en lugar de sacrificar un tiro ... por lo general, vale la pena intercambiarlo para dispararlo.
Hablando de la captura ... la captura de los datos de la imagen es solo un paso (cuento 5) en el proceso fotográfico creativo. Es muy importante estar seguro; Pero es solo uno. La función principal de la captura es capturar suficientes datos de imagen que puedan manipularse en su visión para la imagen durante el procesamiento posterior. Si "apaga" los reflejos importantes o deja que los detalles importantes de las sombras caigan en negro, la imagen es irreparable (sin recurrir a medidas extremas). Este hecho es la motivación para la imagen HDR (para digital) y el sistema de zona (para película), porque muy a menudo, el rango de iluminación (también conocido como rango dinámico) de la escena hace que sea imposible ajustarlo a las limitaciones físicas del sistema de captura (la cámara / sensor / película).
Los grandes fotógrafos pictóricos (Adams, The Westons (Ed y Brett), White, etc.) pasaron largas horas en el cuarto oscuro trabajando sus imágenes para cumplir con su visión artística personal. La tecnología de los tiempos los limitó bastante. El hecho de que el software ahora haga ajustes bastante triviales no lo cambia un poco porque nunca se trató del proceso, siempre se trató de la visión. Yo diría que, como gran parte de la tecnología, hace que el listón sea mucho más alto en términos del nivel de refinamiento esperado porque es mucho más fácil de lograr.
Una nota final: su visión artística cambia a lo largo de su vida. Recuerdo haber leído una historia sobre Minor White trabajando en algunas imágenes para una próxima exposición. Uno de sus amigos le preguntó por qué estaba reelaborando impresiones cuando tenía impresiones existentes de los mismos negativos. Él respondió "Sí, pero ahora los veo de otra manera".
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La composición para el resultado final mientras se fotografía tiene varias ventajas: obtienes el poder de encuadre completo de la cámara y su resolución completa. Obtendrá exposición y rango dinámico adecuados para el mejor resultado final. Esto es cegadoramente obvio cuando se usan pistolas con flash fuera de la cámara: si terminan en la imagen, eso tiene consecuencias significativas para el rango dinámico disponible para el resultado, particularmente si su equipo y flujo de trabajo permiten el uso de TTL y por lo tanto disminuirá la exposición a Evite la sobreexposición de lo que no debería terminar en la imagen final de todos modos. Por supuesto, esto es similar para fuentes de luz o reflejos deslumbrantes que probablemente terminen fuera de cuadro por el bien de la composición. El recorte tiende a ser lo menos malo, cualquier rotación o estiramiento o corrección de perspectiva le costará en términos de nitidez de imagen.
Por lo tanto, hay un buen punto para pre-enmarcar adecuadamente: le brinda el mejor material para trabajar después. El encuadre previo no significa que el encuadre sea perfecto: eso no le dejaría el margen de maniobra para agrandar el marco si fuera necesario (por ejemplo, para rellenar con una relación de aspecto diferente a la diseñada originalmente). Debe tener suficiente pendiente para trabajar en posproducción para todos los fines previstos.
Hace poco me equivoqué fotografiando a un gato acorralando un top en el patio. Resultó que un buen encuadre dividía el espacio del cuadro más o menos equitativamente entre el topillo y el gato (imaginando solo una media cabeza del gato que se avecinaba en lugar del animal completo y sus alrededores). Como consecuencia del encuadre incorrecto, lo que tenía no era solo baja resolución, sino también una subexposición grave a pesar de usar un flash.
De hecho, algunos de los errores de encuadre más consecuentes que hago tienden a ser cuando trato de capturar una entidad completa cuando un buen encuadre garantizaría solo una fracción considerablemente reducida. En particular, dado que la captura "simple" de una entidad tiende a ser de poca utilidad para propósitos de enmarcado (fuera de la fotografía del producto): o desea imaginar cómo encaja algo en el contexto o no.
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