Sé lo que es una mala foto, entonces, ¿por qué sigo tomándolas?

9 de cada 10 fotos que tomo son aburridas, y esto es inmediatamente evidente cuando veo un nuevo lote en la pantalla de mi computadora. Como soy completamente capaz de identificar una mala foto, ¿por qué no puedo evitar presionar el botón del obturador cuando lo veo en el visor?

Es una ilusión, ¿verdad? ¿No ves el bosque por los árboles? ¿Es porque estoy persiguiendo inconscientemente esa sensación que tengo en esas raras ocasiones en que no estaba seguro acerca de una composición y luego salió genial?

Tener un concepto en mente de antemano generalmente produce imágenes mucho mejores, pero cuando salgo con mi cámara y aparece algo ligeramente interesante, no puedo evitar pensar que valdrá la pena. Es peor cuando tomo una foto de un amigo: lo que parece una gran foto en este momento generalmente resulta desagradable con la persona en una postura incómoda.

¿Alguien ha logrado superar este sesgo de optimismo y / o visión de túnel? ¿Qué haces que te permita pensar críticamente y ver toda la escena objetivamente antes de desperdiciar películas o megabytes?

Anexo: Soy un estudiante de doctorado que estudia la neurociencia cognitiva de la visión, y dada la forma en que el cerebro construye el mundo utilizando las facultades limitadas del ojo (por ejemplo, solo una pequeña fracción del campo visual se resuelve con gran agudeza), esto La incapacidad de evaluar rápidamente una escena objetivamente no es una sorpresa. Los momentos que intento capturar a menudo son fugaces, y mi ojo probablemente resuelve una cosa de interés y el resto del mundo se llena con la construcción de la realidad del cerebro, que parece ser una representación pobre de lo que la luz realmente está funcionando, o simplemente un desprecio feliz por toda la basura aburrida que llena el resto de la escena ... ¿Podría ser que los grandes como W. ¿Eugene Smith de alguna manera aprendió a ver rápidamente cada parte de una escena y fue capaz de decidir si era una buena toma o no antes de que pasara el momento? ¿Es esta una habilidad que está naturalmente presente en algunas personas, o la mayoría de los fotógrafos tienen que hacer algún tipo de entrenamiento visual riguroso para llegar allí? ¿Cómo llegaste allí?

El peor de los casos: pasé 10 minutos configurando esta larga exposición, y pensé que podría ser realmente genial. Sin embargo, el resultado es claramente aburrido, incluso si hay un par de elementos interesantes

Práctica práctica práctica. Esto es algo que me propuse hacer y está progresando, aunque no tan fácilmente como se esperaba.

Al igual que usted, decidí simplemente no tomar las malas fotos después de haber desarrollado un ojo para lo que es una buena foto en mi visión. ¡Comencé con una proporción de alrededor de 100: 1 desde antes de saber qué es una buena foto! Con una mejor idea de exposición y composición, no tardó mucho en llegar a 10: 1, pero a partir de ahí ha sido muy difícil, tomó años llegar a 8: 1 y ahora alrededor de 6: 1. Tenga en cuenta que esta es una relación promedio y algunas situaciones son más difíciles. Mientras más movimiento haya en la escena, mayor será la proporción de pérdida y éxito.

Cosas que hicieron la mayor diferencia:

1. Pre-visualización. Mirando los elementos a tu alrededor y decidiendo si hay suficiente para hacer una escena.
2. Inspeccionando todo el marco. La mayoría de las personas disparan cuando ven algo que les gusta en el marco. Es mucho mejor disparar cuando solo ves algo que te gusta en el cuadro.
3. Bordes doblemente controlados. Usar una cámara con un visor de cobertura del 100% es un gran alivio para esto. Me aseguro de que nada o nadie cruce el borde de mis cuadros, a menos que dispare un patrón de objetos o multitudes.
4. Presione el obturador lentamente. Mientras suelta el obturador, observe con cuidado si se acerca algo al borde de su marco y si su cámara está nivelada y asegúrese de que permanezca así.
5. Aprende a ver la luz en una escena. Particularmente contraste, ya que las cámaras tienen un rango dinámico limitado. Tendrá una mejor idea de cuándo una toma no puede exponerse adecuadamente. Ahora, por lo general, presto especial atención a la hora del día y a qué dirección se enfrenta un sujeto para adivinar cuándo la luz lo golpeará mejor, ya que la luz cambia a lo largo del día.
6. Revise sus brotes lo antes posible. Aprende de ellos y repite. Esto es esencial al pasar el nivel 10: 1. Muchos disparos parecían pensados ​​en ese momento, pero al verlos en contexto, comencé a ver por qué algunos eran mejores.

Totalmente no soy un experto en fotografía, pero todavía me gustaría ofrecer mis 2 ¢. El error que a menudo hago es incluir demasiada parte de la imagen que no es relevante para la escena, solo porque hay algunos detalles agradables allí. En general, eso generalmente significa "demasiada tierra, no hay suficiente cielo" o "Tengo que mirar hacia arriba para ver el horizonte". En su caso, siento que se enfoca demasiado en las algas en la acera (lo que estoy de acuerdo parece agradable como elemento, pero no necesariamente la única característica interesante en su foto). El problema con eso es que extrañas totalmente a la persona sentada en el borde. Y si incluye un poco de las algas, pero aún en proporción con el resto de los elementos de la imagen, sigue siendo un buen toque.

Considere la siguiente cosecha en su lugar

Los fotógrafos profesionales pueden estar en desacuerdo, pero para mí este es un enfoque más interesante del conjunto.

En primer lugar, simula lo que realmente haríaVer como un humano. El foco es el niño. Todo a su alrededor, en la visión de la vida real, se desvanece en una resolución completamente baja; tendrías que concentrarte en la escena para ver otros detalles. Además, tendemos a percibir las cosas más a lo largo de un eje horizontal en lugar de un eje vertical. Es por eso que las fotos de relación amplia funcionan mejor (en mi opinión). Simplemente se sienten más 'naturales'. También es la razón por la cual los humanos en general tienden a ser ajenos a las cosas que suceden por encima de ellos o por debajo de su campo visual (a menos que sean realmente tímidos). De hecho, esa es la otra cosa acerca de incluir demasiados "detalles de fondo": el observador tiene la incómoda sensación de que estaban encogiendo la cabeza con timidez. Al enfocarte en el nivel del horizonte, literalmente levantas la mirada del espectador y también su espíritu. Tú' en la escena ahora, no es solo algo que sucede en el fondo mientras miras con timidez el piso.

En segundo lugar, de repente, hay muchos elementos interesantes aquí que se mantienen aislados cuando te interesa buscarlos. Las algas, los arbustos, la luz, los edificios y el horizonte, etc. También hay algunas buenas simetrías de línea en juego (regla de los tercios en términos de mar / edificios / cielo, así como las líneas de 'punto de fuga' causadas por el paseo marítimo , barandas y copas de los árboles). Además, el niño es el "foco central", pero tampoco el "centro muerto", lo que sería el equivalente a un tiro del equipo de fútbol.

Por último, como alguien más señaló, hay un montón de postprocesamiento agradable que traerá elementos (he hecho un postprocesamiento muy básico aquí en GIMP como ejemplo): contraste / brillo, para resaltar más detalles en el de lo contrario follaje oscuro; balance de blancos / estiramiento hsv para eliminar la textura opaca ruidosa en general; juegue con el balance de color para resaltar ese bonito rosa en el cielo y el contraste con los arbustos verdes y la acera azulada. Y, por último, puede simular la profundidad de campo difuminando un poco los bordes de la imagen; esto simula toda la "baja resolución a medida que te desenfocas" que se siente natural para la visión humana, y también ayuda al espectador a sentir mentalmente que el niño es realmente el foco de la imagen, en lugar de una gran colección de cosas que suceden, todo igualmente ponderado

EDITAR: muestra dos interpretaciones / enfoques posibles más de la foto, según los comentarios a continuación:

Izquierda : foco en la textura (intención del fondo de escritorio). Derecha : ángulo de cámara inferior simulado

Tu foto se parece mucho a mis fotos de "desearía haberlo hecho mejor". Lo primero que me viene a la mente es que estás tratando de equilibrar un par de ideas / reglas y terminar con algo soso. Como la persona con un pie en el bote y un pie en el muelle: si no te comprometes con uno u otro, caes al agua.

En este caso, si realmente quisieras concentrarte en el agua, me habría arrodillado para acercarme realmente al agua y al musgo. Tal vez un poco de zoom para agrandar los edificios

O sostenga la cámara sobre el agua pero apúntela más hacia la derecha. Recorta el paisaje urbano por completo y concéntrate en el agua y el contraste con el camino / luces / hormigón.

Tienes tu línea de retroceso / convergencia en la orilla del agua, el agua expuesta al tiempo, el paisaje urbano, el graffiti / concreto, el camino y las luces, ... y todo se funde en un medio de ... Estofado de carretera. Lo he hecho mucho con videos donde, por ejemplo, estoy tratando de entrevistar a alguien y tratando de equilibrar el fondo, etc., etc., y de alguna manera convencerme de que funciona una pared en blanco detrás de ellos.

Bueno, el primer pensamiento que tendría es que esto está pidiendo algo de procesamiento posterior.

Estás desperdiciando completamente los reflejos en esa imagen que esconden un cielo fabuloso. Hay muchas maneras de sacar esos reflejos sin perder los tonos medios y las sombras.

La imagen que publicaste está bien, pero no la has explotado al máximo. El procesamiento posterior ofrece enormes oportunidades para obtener el impacto total de lo que dispara (incluidas excelentes opciones en blanco y negro de cualquier toma de color).

Esto es lo que producen algunos trabajos en GIMP (de su JPEG básico cargado) y tenga en cuenta que este no es el archivo de mejor calidad para comenzar a trabajar.

En general, es posible que deba pensar en disparar como la primera parte de producir una toma. Luego trabajas en él para extraer lo que quieres o sientes cuando disparas.

No siempre es posible obtener lo que quieres. Algunos disparos parecen mejores ideas cuando disparas que más tarde. Pero creo que puede estar descuidando mucho potencial al no seguir con un procesamiento posterior básico.

También agregaré mis 2 ¢, incluso si probablemente repita lo que otros han dicho.

POST PROCESAMIENTO FTW !!!

No debes avergonzarte / asustarte del postprocesamiento. Incluso antes de que los fotógrafos profesionales digitales publicaran sus imágenes. También toman cientos de imágenes y seleccionan solo algunas para presentar, así que tenga en cuenta que incluso descartan 99 de cada 100 imágenes (hice ese número pero estoy seguro de que no está muy lejos).

Lo noté por primera vez cuando obtuve mi primera cámara réflex digital. Todas las fotos salieron insípidas en comparación con mi punto final y disparar. Eventualmente me di cuenta de que mi apuntar y disparar probablemente estaba haciendo más procesamiento posterior en la cámara para hacer que mis imágenes resaltaran más. Por supuesto, las imágenes más contrastantes no significan que mi composición haya sido buena, pero fue una señal de que el procesamiento posterior es importante.

Solía ​​publicar el proceso a veces en Photoshop, pero recomiendo encarecidamente Adobe Lightroom porque está diseñado para permitirle publicar rápidamente muchas imágenes del proceso. Puedo revisar las imágenes y retocarlas al menos 30 veces más rápido en Lightroom que en Photoshop, y al menos hace que probar las cosas sea tan fácil. Puedo salir, tomar 30-100 imágenes, volver y haberlas visto todas, probado diferentes cosas en muchas de ellas y elegido algunas para presentarlas en menos de 30 minutos.

No soy un profesional de ninguna manera, pero aquí está mi intento de procesar su foto en Lightroom. No estoy afirmando que esto sea bueno, pero explicaré por qué / cómo llegué a esto, ya que tal vez enumerar mis pasos sea útil.

Primero intenté simplemente ajustar la exposición, el contraste, la claridad y la configuración relacionada. Tal vez porque no soy un profesional, pero nada de lo que hice hizo que la imagen funcionara para mí. Supongo que personalmente quería que fuera más contrastante, pero no me gustaba a dónde iba. Si eso es solo el gusto o mi falta de habilidades de Lightroom o el bajo contraste de la imagen, no estoy seguro.

Probé varios ajustes preestablecidos y en blanco y negro, pero no estaba muy seguro, no estaba funcionando para mí.

Luego intenté recortar el lado izquierdo de la imagen. Para mí, los altos edificios de la izquierda eran una distracción. He visto muchos consejos de que, a menudo, cuanto menos ocupada sea una imagen, mejor. Lamentablemente, cuando hice eso, la imagen no parecía funcionar sin más agua frente a la costa.

Entonces, me di cuenta de la persona en la imagen, ¿ese es el tema? La mayoría de las veces, cuando hay una persona en una imagen, terminan siendo el sujeto, incluso si yo no quisiera. Sin embargo, al ser tan pequeño, era difícil ver a la persona.

Al principio recorté más que esto. Nuevamente noté cosas que me distrajeron. Los edificios todavía estaban a la izquierda, así que los recorté. Entonces noté el graffiti en el concreto. Era grande y contrastante y parecía otra distracción, así que lo recorté. Luego ajusté los colores nuevamente y me decidí por un contraste más alto en blanco y negro, aumenté un poco la claridad y agregué algunas viñetas para enfocar a la persona. En ese momento, la lámpara debajo de los árboles también parecía una distracción. En resumen, personalmente estaba feliz con eso. Podría haber preferido que la persona estuviera más descentrada, más agua en el frente, pero eso habría vuelto a poner los edificios en la imagen. O eso, o podría haber recortado más a la derecha, pero sentí que ya había recortado tanto que probablemente no podría ir allí.

Ya sea que te guste o no el resultado, el punto que quería destacar es el procesamiento posterior y el recorte son tus amigos.

Su pregunta y explicación implica por qué . No puedo comenzar a responder esa pregunta aquí. Nadie puede. Incluso podría estar fuera de tema; pero, es una de las preguntas más intrigantes.

Cada fotografía responde a su propio "por qué"; Sin embargo, propongo una situación que le permita decidir mejor por usted mismo:

La próxima vez que salgas a capturar tu milagro, limítate a un solo disparo .

Mi razonamiento basado en la experiencia : durante años, tuve un soporte de película y una cámara de visión de 8 "x10". Descubrí que mi elección de cuándo tomar mi foto era diferente de cuando tenía la capacidad de tomar muchas. El (esfuerzo de usar una) cámara de visión en el campo cambió la forma en que configuré, apunté, enfoqué y expuse mi único disparo. El alto costo de la película y el largo tiempo necesario para procesar mi película a mano cambiaron el valor de la toma. Tenía que planear quién, qué, dónde, cuándo y cómo, incluso antes de levantar mis bolsas de equipo.

Este ejercicio (no es broma) me permitió examinar cuidadosamente mi respuesta a por qué estaba a punto de presionar el disparador.

Intentalo. Esa es mi sugerencia sobre cómo responder a su pregunta de por qué .

Esta es la misma imagen recortada para seguir la regla de los tercios. Puede tener en cuenta la regla de los tercios cuando la tome por primera vez.

En la foto original, la mitad izquierda es agua y la mitad derecha es tierra, que es como una división gigante en el medio. Entonces el espectador tiene que elegir entre izquierda y derecha. Es como si el artista presentara una opción al espectador: izquierda o derecha. Podría haber un momento para esto (creo que la palabra es "yuxtaposición"), si desea comparar deliberadamente dos cosas. Pero estas dos cosas no buscan ser contrastadas o comparadas, por lo que el espectador simplemente está confundido.

Y verticalmente, creo que los edificios están demasiado lejos, casi como una ocurrencia tardía, que deja el fondo muy vacío. Entonces, verticalmente, está desequilibrado. Y horizontalmente estaba demasiado centrado. 3rds da un buen equilibrio entre "demasiado lejos" y "demasiado centrado".

Cosas para pensar:

• El dominio de la técnica es primordial. Olvídate del "arte". Vuelva a leer el manual de su cámara.

• ¿Has calibrado el color de tu cámara? ¿Mediste los niveles de luz en la escena? ¿Obtuviste el espectro de luz ambiental y aérea para tu escena?

• La escena está sobresaturada en azul debido a la luz del atardecer. Deberías haber usado un filtro para bloquear esta luz. El ojo humano hace esto naturalmente. Si desea que una foto se vea bien, debe hacer lo que hace el ojo: bloquear las sobresaturaciones y equilibrar el color. Esto se puede hacer con precisión con filtros técnicos y un espectrómetro, o puede utilizarlo con experiencia.

• La imagen está desenfocada (excepto el primer plano). Algunas personas piensan que las imágenes fuera de foco son geniales. Intento hacer lo que hace el ojo: mantener todo enfocado. Difícil de obtener más básico que eso. Atención.

• La exposición es pobre. Los árboles están ennegrecidos y el agua tiene resplandor. Aprenda sobre el horquillado de exposición y la composición de múltiples imágenes con diferentes exposiciones. Mejor aún, aprenda a trabajar sus lentes y cámaras para obtener la mejor exposición posible en cada imagen. HDR no es mágico, si introduce malas imágenes, obtendrá malos compuestos.

• Estás derribando la escena. La mayoría de las cosas se ven mal cuando las menosprecia. Intenta mirar hacia arriba en su lugar. Cuando tomo fotos de personas, me arrodillo.

Cierra un ojo antes de tomar la foto. Algunas imágenes pueden verse espectaculares cuando se ven en la gloriosa 3-D que le dan sus dos ojos, pero son un poco más opacas o aburridas en la 2-D aplanada que aparece en una fotografía.

Cerrar un ojo te muestra cómo se ve en 2D y, por lo tanto, es una mejor representación de la foto.

En resumen, la fotografía es diferente de la visión humana. El cerebro hace mucho preprocesamiento, postprocesamiento, rellenando los huecos, etc. Produce una imagen "idealizada" en la mente. La cámara es básicamente un globo ocular. No podrás capturar "lo que ves" con una cámara. Entonces, haz lo que hace el cerebro: toma muchas imágenes, ignora la mayoría y manipula las que son buenas.

Soy un fotógrafo callejero y, por lo tanto, mi proporción de "buenas" tomas es trivial (quizás 1: 100). Mi definición de una buena toma no es solo una toma enfocada o bien compuesta, sino una toma que es más que el contenido. Este tipo de disparos depende de ajustar algo dentro del espectador que haga que el disparo sea significativo de alguna manera, intelectual, psicológica o emocionalmente.

Mis fotos "malas" son las que no tienen ese algo extra, las fotos "buenas" son las que resuenan no solo conmigo sino, espero, con la mente de una buena proporción de los espectadores. El buen tiro alcanza puntos universales.

La respuesta a por qué es porque entender una buena foto y tomar una son habilidades diferentes. Piénselo de esta manera: ¿puede decir cuándo alguien toca mal un instrumento musical? Probablemente. ¿Puedes tocar ese mismo instrumento mejor? A menos que hayas entrenado en ese instrumento en particular, probablemente no. ¿Alguna vez pensaste que un largometraje era malo? ¡Yo tengo! ¿Podría escribir, dirigir o actuar bien en una película? No.

Las habilidades involucradas en criticar una foto tienen que ver con reconocer cosas como composición, iluminación, enfoque, etc. Las habilidades involucradas con tomar una foto tienen que ver con capturar una buena composición con buena iluminación y buen enfoque.

La forma de mejorar en la mayoría de las cosas es con la práctica deliberada . Elija una pieza del rompecabezas con la que esté teniendo problemas y tome un montón de fotos donde intente mejorar ese aspecto. Hice esto con enfoque, por ejemplo. Estaba teniendo muchos problemas con el enfoque en mis imágenes, así que leí sobre diferentes técnicas para mejorar el enfoque. Luego salí y tomé un montón de fotos donde traté de mejorar el enfoque en la toma usando esas técnicas. Finalmente llegué a un punto en el que estaba feliz con lo que estaba capturando y era hora de mejorar lo siguiente en mi lista.

Hace unos 15 años tomé un curso de fotografía. Todavía usábamos película, ya que las cámaras digitales SLR eran demasiado caras. Uno de nuestros maestros nos dijo que no esperáramos más de una buena toma por rollo de película (de 36 tomas). Esto significaba cargar un rollo en la cámara, tomar fotos y desarrollar la película daría como resultado una toma utilizable.

Creo que la misma regla todavía se aplica hoy. Tienes que tomar muchas fotos para obtener solo un par de buenas. Después de años de práctica, esta proporción mejorará ligeramente, pero se esperan tomar muchas fotos malas y solo algunas buenas.

Parece que eres un fotógrafo de paisajes / calles / arquitectura. Algunas reflexiones para esta disciplina.

Cuando encuentre una escena que le atraiga, intente tomar algunas perspectivas totalmente diferentes en lugar de solo la que parece ganadora . A menudo, la mejor imagen se trata más de capturar una calidad inefable de la escena que de ser técnicamente interesante .

Otro gran ejercicio es disparar con una sola distancia focal por un tiempo, eventualmente con la práctica podrá anticipar las imágenes antes de levantar la cámara.

Esto siempre requiere práctica, para todos, incluso para los maestros.

Nadie toma imágenes 100% perfectas.

Teniendo en cuenta la foto en la pregunta. Las exposiciones prolongadas en la noche tienden a tener una luz incolora muy plana, a pesar de que se ven fabulosamente coloridas a los ojos del fotógrafo. Probablemente viste colores asombrosos reflejados en el agua y presentes en el cielo que hicieron que esta composición tuviera sentido.

Creo que se necesitan fotos "malas" para comparar. Sin prueba y error, uno no podría definir qué es bueno o malo.

En mi opinión, uno debe combinar los avances de ambos: la impulsividad y una fotografía más reflexiva. Por lo tanto, se recomienda llevar una cámara de bolsillo (o una cámara de teléfono de buena calidad) todo el tiempo. Siga tomando instantáneas impulsivas de cualquier cosa que le interese y luego, si tiene tiempo, verifique los resultados allí mismo y vea si puede hacerlo mejor. No es necesario guardar todas las fotos tomadas.

Por otra parte, consumir imágenes! Personalmente, aprendí más sobre fotografía cuando participé en 365 image challenge en las redes sociales, donde un grupo de personas está tratando de tomar una foto por cada día del año, publicarlas en un grupo y discutir sobre ellas. Ver fotos tomadas por otros y obtener algunos comentarios es el proceso más gratificante y educativo.

El arte es algo que constantemente puedes aprender y mejorar. No es que no dejes de tomar malas fotos (aunque sí, el error ocasional todavía ocurrirá), es que tu opinión de "bueno" y "malo" cambia drásticamente a medida que aumenta tu habilidad.

Hago fotografía profesionalmente como un trabajo paralelo y tengo fotos que descarto como "malas" que otros piensan que son excelentes fotos. Del mismo modo, si vuelvo a visitar fotos antiguas, me pregunto cómo pensé que muchas de mis primeras fotos eran buenas.

En mi experiencia, las tasas de éxito mejoran bastante, pero nunca te deshaces de las fotos "malas" por completo porque parte del proceso de aprendizaje consiste en capturar imágenes y luego ver qué funcionó y qué no. A medida que aprende más sobre lo que funciona y lo que no, evita las cosas que sabe que no funcionan y la calidad aumenta, pero también lo hace su habilidad, por lo que comienza a buscar cosas nuevas para descalificar su trabajo como "malo" ".

La relación de éxito a error es más pronunciada al fotografiar personas, especialmente más adelante en el desarrollo de su habilidad, ya que las personas tienen momentos mucho más fugaces cuando se pueden tomar excelentes fotos, pero el principio aún se aplica a los paisajes. Personalmente, en este punto, generalmente obtengo una proporción de 1: 5 para la naturaleza muerta y entre 1: 5 y 1:10 para los eventos. (De ninguna manera soy un profesional de alto nivel, pero me clasifico como medio de la manada en la arena profesional). Sin embargo, mi punto es que incluso cuando te vuelves realmente bueno en el oficio, todavía tienes muchos errores porque constantemente estás elevando el listón para hacerlo mejor. (También depende de lo que consideres éxitos. Para mí, cualquier cosa que yo califique como un 5 estrellas cuenta como un éxito, pero todavía hay una gran variedad dentro de ese rango).

Una tasa de éxito de 1:10 para la naturaleza muerta es bastante respetable. Simplemente significa que todavía está aprendiendo a un ritmo rápido. Es bueno que todavía estés aprendiendo cómo mejorar en lugar de algo malo que "todavía tomas malas fotos". Es realmente algo malo si puedes mirar hacia atrás tus fotos de hace 5 a 10 años y no ver cuán lejos has llegado en ese momento.

Aquí están mis pensamientos divagantes:

Creo que la idea de una imagen "buena" o "mala" es contextual: si planeaba exhibir la imagen de arriba, entonces sí, es mala. Si simplemente estaba tomando una foto del área con una cámara de película y no la iba a procesar usted mismo después, entonces está bien. Pero si, como yo, al tomar fotografías digitales, encuentra que los primeros 6-8 son fotografías de "calentamiento", entonces este es un buen comienzo. Desde aquí me bajaría, pondría algo en primer plano para ayudar a atraer a los espectadores a la escena (rocas, más musgo, un bote). Descubrí que cuando tomo fotos de películas, simplemente quiero que la escena esté enfocada y no oscura, pero cuando tomo fotos digitales, quiero que toda la escena esté enfocada, se recuperen los reflejos, las sombras sean visibles, etc.

Cuando tomo una foto de una película, siempre pienso "me encanta esta composición / luz / contraste / lo que sea". Si no es así, o tengo que pensarlo, entonces no tomo la foto, pero trato de encontrar la razón por la que llevo la cámara a mi ojo en primer lugar dentro del cuadro y me concentro en eso. Disparo paisajes, así que esto es más fácil que la fotografía de personas / mascotas / deportes. También trato de mantener esta mentalidad con la fotografía digital, a menudo tomo una fotografía digital y simplemente acepto que la luz es correcta, etc., a menudo no veré la imagen hasta que vuelva a la PC.

A menudo, trato de "ver" la escena primero, no solo me refiero a las cosas técnicas, sino que realmente veo y siento la escena: ¿hay una brisa moviendo los árboles, quiero capturarla? ¿Hay bandadas de pájaros alrededor, de dónde viene la luz, cómo son las nubes? Si esta será una exposición prolongada (como la suya), ¿qué harán las nubes: en qué dirección se están moviendo? etc. Es un proceso meditativo; Estoy tratando de capturar la esencia de una escena. Demasiadas veces es más fácil hacer clic en el botón y depender de Photoshop / Lightroom después. Personalmente, usar la cámara es lo último que hago al tomar una foto en el campo.

Nunca he borrado una foto; Me parece que los "basura" son los que más aprendes. Y a menudo, mirar fotos que pensé que eran basura hace 5 años con ojos nuevos hace que las aprecies más.

Al igual que usted, también tengo una incapacidad frustrante para producir fotos "buenas". Admitiste que eres un "estudiante de doctorado que estudia la neurociencia cognitiva de la visión". Quizás pueda ayudarlo a apreciar su situación desde el lado "científico":

Cuando decide tomar una foto, está experimentando el entorno completo de una escena de primera mano. Sus ojos y su cerebro están haciendo un trabajo fantástico para resolver lo que más le interesa, pero otras partes de su cerebro / cuerpo también están haciendo contribuciones enormes y poco apreciadas.

Estás oliendo el aire, sintiendo la temperatura, observando toda la escena mientras giras la cabeza; Su estado de ánimo en ese momento y las personas que están o no presentes también influyen en sus sentimientos en ese momento.

Cuando llegas a casa, a tu fotografía le faltan todos esos datos "adicionales". Aunque puede ser una medida muy precisa de los fotones en la escena, su imagen yace allí, muerta, como la foto de vacaciones de un extraño.

La cámara ha aplanado la gama de colores y el rango de exposición. No tiene la capacidad de resaltar y mejorar esas pequeñas partes de la escena que su ojo / cerebro hizo instantáneamente e instintivamente. La cámara no tuvo en cuenta por completo el olor del aire y el toque de la brisa en sus mejillas. Te quedan, junto con tus espectadores, algo menos que una vista a través de un simple tubo de cartón.

Hasta que desarrollemos un dispositivo que capture toda esta información adicional, debemos confiar en Art para ayudar a recrear ese estado de ánimo. Las técnicas artísticas obtenidas de miles de años de experiencia humana pueden ayudar a implicar o inculcar los sentimientos desconocidos para la cámara. La composición, la mejora del color, el enfoque, la iluminación y muchos más pueden ayudar a compensar las pérdidas, pero requieren habilidad para su uso.

Con ganas, paciencia y tiempo puedes aprender a usar las técnicas artísticas que pueden ayudarte a compensar lo que se filtró de tu experiencia.

Deséenos suerte a los dos.

Creo que tiene razón en que no puede "ver el bosque por los árboles", lo que también se conoce como "visión de túnel" o, en combate, especialmente la aviación de combate, como "fijación de objetivos".

Tengo el mismo problema en otro dominio, diseño de software y hardware, lo que hace que me obsesione con componentes triviales y termino con un diseño demasiado complejo y frágil ... que luego me incendia y empiezo de nuevo con algo mejor Integrado y más simple.

Originalmente, yo también estaba entrando en las ciencias cognitivas, pero las computadoras pagaban mucho mejor en los años 80, pero todavía mantengo una mano. Nadie ha investigado más sobre percepción y toma de decisiones que los militares, así que revisé las fuentes militares para ver cómo obtener fuera mi enlace de diseño.

El ejército entrena a los pilotos para romper la fijación del objetivo al obligarse a mirar hacia otro lado, a menudo por encima del hombro, y luego de nuevo. Esto se realiza constantemente, la cabeza del piloto nunca está quieta. Podría ser el origen real del término "cuello de goma"

Un método secundario es mirar ligeramente hacia atrás y luego hacia atrás, pero fijándose en una parte diferente del objetivo, por ejemplo, la punta del ala izquierda.

Ambos métodos parecen funcionar al forzar una reevaluación del objetivo en su totalidad. El primer método parece hacer que el cerebro vea al objetivo como algo nuevo. También fomenta la conciencia del objetivo dentro del contexto total del espacio de batalla, lo que permite al piloto decidir mejor si el objetivo es realmente la prioridad. El segundo método es más bien al revés, desencadenando una reevaluación de abajo hacia arriba, que vincula partes más pequeñas al todo mayor y al espacio de batalla en general.

En el caso de la fotografía, uno miraría lejos de la imagen objetivo que se muestra en la cámara y / o enfocaría su atención intencionalmente en subáreas aleatorias del área enfocada. Mirar hacia otro lado y desencadenaría la reevaluación y lo ayudaría a evaluar cuán fuertemente lo general ... lo llaman "espacio estético" ... influye en su percepción de la calidad del área real fotografiada. Centrarse en subáreas aleatorias podría generar una mejor conciencia de la composición interna, creada por los diversos elementos dentro de la foto mayor.

Sin embargo, todo es una suposición. No hay ninguna investigación que conozca sobre el asunto, pero he tenido éxito con ella.

¿Qué es lo que te gustaría mostrar? El movimiento del agua, la puesta del sol, la naturaleza / los árboles, las líneas, los colores, etc.

¿Qué posición o ángulo mejoraría el disparo? Por ejemplo, su cámara apunta un poco hacia abajo, lo que hace que los postes de la cerca no estén en posición vertical. Si el foco fuera tal vez las líneas, entonces tal vez estas funcionarían mejor en posición vertical, más agradables a la vista.

Trípode, no te apresures, toma más de una foto. Cuando mira a través del visor / pantalla LCD, visualice la imagen final.

Un dicho:

La persona toma la gran foto, el photoshop puede hacerlo increíble.

Si la foto no es nítida, mala composición, etc., Photoshop no puede ayudar.

Jugar: la fotografía es divertida, a algunos de nosotros nos pagan por hacerlo, sigue siendo divertido. Algunos consejos:

dispare a distancia el trípode o ajuste la cámara al obturador de 2 segundos, use el zoom en el lcd para obtener la imagen realmente nítida para tomas anchas como su publicación, reduzca la apertura. f22, etc. intente fotos desde diferentes alturas, desde el piso / cintura / cabeza, etc. intente tomar fotos manteniendo la cámara perfectamente nivelada, vea el resultado si no tiene un trípode, apoye los brazos sobre un objeto, apóyese contra algo. finalmente: aprende todo lo que puedas sobre tu cámara y juega / juega / juega

¿Qué haces que te permita pensar críticamente y ver toda la escena objetivamente antes de desperdiciar películas o megabytes?

Confirmo la presencia de bloques de construcción básicos como la calidad de la luz, un tema que puedo aislar y priorizar visualmente , la ventana de tiempo ideal y, por último, pero no menos importante, ¿es incluso interesante?

Como soy completamente capaz de identificar una mala foto, ¿por qué no puedo evitar presionar el botón del obturador cuando lo veo en el visor?

Por supuesto, presiónalo. Entonces busca algo mejor. Está bien abandonar su tema / enfoque original.

¿Podría ser que los grandes como W. Eugene Smith de alguna manera aprendieron a ver rápidamente cada parte de una escena y pudieron decidir si era una buena toma o no antes de que pasara el momento? ¿Es esta una habilidad que está naturalmente presente en algunas personas, o la mayoría de los fotógrafos tienen que hacer algún tipo de entrenamiento visual riguroso para llegar allí?

No tienes que ser genial. Hago esto, pero gran parte del pensamiento es realmente previsión y anticipación. Ligero, puedes evaluar constantemente a medida que avanzas. Ve hacia o quédate en la buena luz. Administre su distancia de trabajo de acuerdo con la distancia focal elegida y el sujeto que anticipa, a medida que avanza. Cuando salgo de casa con una cámara, configuro el ISO en función de las condiciones de iluminación esperadas, y tal vez la exposición también. Lo que sé, sigo adelante y me preparo, así que tendré que pensar lo menos posible cuando ocurra lo inesperado.

Mencionas el retrato. Bestia diferente con sus propias reglas, pero realmente los mismos bloques de construcción.

Para mí, todo se reduce a confiar en mi gusto, gustarme lo que me gusta y elevarlo cuando lo encuentro. Otras pasiones como la ciencia ficción contribuyen. Definitivamente otros fotógrafos ("¿Qué haría Doug Menuez?").

Además, mira esto .

Desde su especialización en la neurociencia cognitiva de la visión, ya sabe todo sobre la composición, los principios de la gestalt y las muchas otras teorías sobre cómo el cerebro juega con nuestra visión y qué le agrada.

Por qué disparas cuando sabes que la fotografía será un desperdicio, solo puedo adivinar que se debe al medio en que las estás tomando, digital. Si ya es competente en el aspecto técnico de tomar una fotografía, simplemente se está apresurando, porque el costo de oportunidad de estas tomas es casi cero.

Si quieres aprender a disparar con mayor determinación, puedes intentar moverte para filmar por un tiempo. Allí solo tienes 36 disparos por rollo y cuestan tanto dinero como tiempo para desarrollar y ampliar una copia. También puede ir hasta cámaras de visualización de gran formato (solo dos disparos por chasis y cada chasis ocupa mucho espacio y algo de peso), lo que se indica principalmente que sus sujetos estarán prácticamente inmóviles (retratos, paisajes y arquitectura) , por no decir que no puede tomar una fotografía de un sujeto en movimiento, sino que solo le toma un tiempo configurar la cámara.

No olvides que los maestros con suerte obtuvieron alrededor de 3 selecciones de un rollo completo de película. Pero ellos y sus editores probablemente fueron mucho más estrictos que lo que tenemos hoy.

Impresión de la hoja de contacto: Audrey Hepburn en Funny Face David Seymour - Cortesía de Magnum Photo