Una sala de almacenamiento llena de archivos verticales.
Archivos verticales llenos de transferencias fotomecánicas, tableros de pegado, tamaños y tamaños de fotostatos, hojas de tipo. Estos ocupaban habitaciones, a menudo almacenes para almacenar si la agencia era una agencia más grande.
Luego, las definiciones y muestras de chips Pantone. Aquí es donde Pantone nació y explotó. Un sistema de color que era consistente simplemente hablando un número por teléfono. O escribir un número en una placa mecánica. Fue honestamente revolucionario en ese momento (antes de mi tiempo, pero todavía lo aprecio).
Si se iba a imprimir algo, usted envió, por correo postal (cuando aún era confiable) o FedEx, negativos fotomecánicos y especificaciones que detallan las placas de tamaño de recorte, colores Pantone o porcentajes de ruptura de procesos. En realidad, envió un negativo fotomecánico en blanco y negro y tuvo que especificar 20C 10M 40Y 30K para un logotipo.
Antes de la revolución digital, todo se hacía a mano en tableros pegados, luego se filmaba con una cámara de copia y los negativos se pelaban en placas. Era muy común almacenar las tablas de pegar y los negativos para todos y cada uno de los proyectos. A veces, las placas se almacenaban, pero a menudo eran innecesarias si tenía los negativos.
Incluso para los proyectos de impresión más simples, tendrá un mínimo de 3 a 4 piezas físicas para almacenar.
Los clientes generalmente tenían una pieza impresa o un fotostato. En ocasiones, las cosas eran un poco más fáciles porque el cliente sabía que "estos archivos son para imprimir". Por lo tanto, los trataron con especial cuidado y los transmitieron cuando pidieron nuevos proyectos. Los clientes entendieron que no solo podías encontrar un anuncio y arrancar la parte del logotipo y dárselo al diseñador.
Los mercados también eran muy, muy locales . Los clientes no saltaron de un diseñador a otro debido a todos los activos que tenía el diseñador actual. En algunos casos, fue una tarea importante recolectar todos los mecanismos mecánicos relacionados con la impresión y entregarlos a un cliente. También hubo costos sustanciales involucrados, que los clientes entendieron mejor. Había objetos físicos reales, por lo que se entendió el cobro por la entrega de archivos de producción. Los clientes tenían tendencia a quedarse. A diferencia de hoy, los clientes solo ven un archivo digital como cualquier archivo digital y no asocian un valor con ninguno de ellos porque suponen que son iguales a los archivos digitales que ellos mismos pueden crear en su computadora.
Había mucho más de un arte para imprimir diseño. Tenías que tener habilidades de artesano para crear mecánicas correctamente. Si no podía dibujar una línea recta con un bolígrafo gobernante, se eliminó con bastante rapidez. La competencia era mucho, mucho, menos frecuente de lo que es ahora. Como el mercado era tan local, a menudo no había muchas opciones a menos que estuvieras trabajando en una gran ciudad metropolitana.
La consistencia de la marca se mantuvo al seguir con la misma agencia / diseñador. Lo que sigue siendo cierto hoy . El problema hoy es que hay muchas más personas en el campo y el acceso a las herramientas se ha vuelto fácil. Hay pocas maneras de diferenciar a aquellos que entienden lo que están haciendo de aquellos que simplemente poseen las herramientas hasta que trabaje con ellos en un par de proyectos. Los clientes pueden desviarse por los precios reducidos y la proliferación equivocada de la idea de que cualquier persona con una computadora y Photoshop puede hacer lo que debe hacerse.
Fue hecho en persona, o por correo, por supuesto. Los diseños fueron reproducidos y redimensionados fotográficamente en una cámara lineal. El corte y la pasta originales fueron con un cuchillo exacto y una depiladora. Cortaría el logotipo o el arte necesario de una hoja, lo pasaría por el encerador, que cubriría la parte posterior del papel con cera caliente, y lo "pegaría" en su pizarra. La cera, a diferencia de la pasta real, le permitía mover o reutilizar el arte. Después de que se filtró su diseño, el arte podría volver al archivo. Si no tenía el tamaño correcto, en lugar de arrastrar una esquina, lo envió al tipo de cámara para cambiar el tamaño de la cámara de línea, desarrollar, detener y corregir. Cambiar el tamaño del arte no era trivial. Tenía una pequeña rueda para convertir tamaños a porcentajes y decía: "Necesito esto al 132%", o lo que sea. Tenías un maestro a mano (varias hojas,
El departamento de composición tipográfica escribiría la copia en una máquina de linóleo, que también era de naturaleza fotográfica, y la cortarías y pegarías, alineándola con un cuadrado en T y un triángulo. Debía tener a mano físicamente el tipo de letra que deseaba usar, y el cartucho que contenía el tipo de letra se llamaba fuente porque contenía todos los estilos de ese tipo de letra, por ejemplo, cursiva, negrita, etc. Tendría suerte de tener un docenas de tipos de letra para elegir en la mayoría de las tiendas. Desde la era de la computadora, usamos la palabra fuente para referirnos al tipo de letra porque así lo llama Apple.
Luego, el chico de la cámara dispararía su diseño, y alguien retocaría los negs en una mesa de luz, bloqueando los puntos o líneas de polvo causados por las sombras de los bordes del arte pegado. Estas negs se usaron para quemar los platos.
Puedes ver por qué la llegada de la Mac causó lo que llamaron la revolución de la publicación de escritorio. Ahora una persona, con una máquina relativamente barata, podría hacer todo esto por sí misma.
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